Las bandas sonoras de nuestras vidas

Críticos y cinéfilos de todo el mundo coinciden en resaltar La la Land: La ciudad de las estrellas como la película más brillante de 2017, opiniones que han sido corroboradas por las alabanzas de los espectadores y las 14 nominaciones a los óscar, igualando a la mítica Titanic. Pero ¿qué sería de esta película sin su banda sonora? ¿Cómo habría llegado a cosechar tal éxito sin sus canciones originales? La música juega en este género un papel fundamental. ¿Alguien podría concebir West Side Story, Grease o Moulin Rouge sin “I want to live in America”, “You are the one that I want” o “Your Song”?

Sara Zahonero, Alma Rueda, Ana Andreu y Celia López

No obstante, la música no solo es importante en los musicales, también juega un papel fundamental en el resto de películas. Definimos la banda sonora como la parte de la película que abarca todos los efectos de audio (diálogos, canciones, efectos sonoros…). Así que la música en el cine no solo tiene valor estético por sí misma, sino que es el sustento de la mayoría de escenas, potenciando emociones o expresando lo que las imágenes no son capaces de comunicar por sí solas.

La música y los efectos sonoros del cine tienen otras funciones, además de la propia función expresiva: recrear un ambiente acorde con la situación (como fondo o refuerzo) o propiciar un clima musical que evoque el contexto histórico, como demuestran “Ben Hur” o “Gladiator”, donde  la orquestación sinfónica, y en concreto los motivos de los metales, nos sitúan en la época aludida. También es importante la ayuda que presta la música a la hora de retratar la personalidad de los personajes. Esta función destaca en “El caballero Oscuro” de Christopher Nolan, donde con un incesante zumbido metálico y de persecución la banda sonora profundiza en la personalidad paranoica del Joker. La mente del espectador también queda condicionada por la tensión que crea la música y el resto de efectos de las películas de terror, como demuestra la mítica escena de la ducha en “Psicosis”. Del mismo modo contribuyen a dar continuidad a la cinta, sustituyendo diálogos innecesarios o reforzando escenas sin intervención de los personajes, como la música que acompaña a las escenas románticas o al beso de los protagonistas.

Además de lo que hemos comentado,  la música puede ser la fuente intrínseca para atribuir un estado de ánimo específico a los espectadores. La técnica del Leitmotiv ejerce esta función, se hace uso de un motivo o tema de corta extensión que se repite a lo largo de la obra para atribuirlo a un personaje, un sentimiento o una determinada acción. El término proviene del alemán Leiten (guiar) y motiv (motivo), y su origen se remonta a la Ópera, donde Carl María Von Weber lo utilizó en 1871, y a otros compositores como Berlioz, Wagner, Puccini y Strauss que utilizaron en sus obras este mismo concepto. Un ejemplo de leitmotiv es el famoso “ostinato” de la película Tiburón que anuncia el inminente ataque  (https://www.youtube.com/watch?v=ycuUsbLkOII).

Compositores de bandas sonoras a lo largo de la historia

Es posible que haya muchas personas que piensen que la música de cine comenzó con la aparición del cine sonoro; sin embargo, cuando este aún era mudo ya había acompañamientos musicales a las imágenes que se iban sucediendo en la pantalla, bien por medio de una pequeña orquesta, de un piano o de un gramófono. No obstante, esta música no se ponía para acompañar la acción, sino para atenuar en lo posible el ruido producido por las bobinas del reproductor. En este momento comienzan a utilizarse temas de los grandes maestros de la música como Chopin o Beethoven, pero no se crea música específica para el cine. Más tarde grandes compositores clásicos dieron el paso al mundo cinematográfico musical, entre otros: Dimitri Shostakovich, Sergei Prokofiev, Malcolm Arnold, Yoru Takemisu o Leonard Bernstein, además de los compositores minimalistas  Michael Nyman o Philip Glass, por citar solo algunos ejemplos-

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En 1908 se crea la primera banda sonora original de la historia del cine, realizada específicamente para reforzar la expresividad de determinadas escenas de una película. En esta fecha, dos compositores, Camille Saint-Saëns y Mihail Ippolitov-Ivanov, crearon varias piezas para las películas El Asesinato del Duque de Guisa y Stenka Razin. Es a partir de 1910 cuando empiezan a popularizarse las composiciones de este tipo y que durante las décadas posteriores se harían más comunes. J. K. Briel,  fue uno de los primeros profesionales en la producción de música específica para el cine. Al año siguiente se realizan diez películas con fondo musical, de las cuales cuatro fueron realizadas por Briel, entre ellas la banda sonora de El Nacimiento de una Nación.

Los años 30 se caracterizaron por una mayor profesionalización de la música de cine, con los nombres de Erich Korngold (Robin de los Bosques, 1938) y Max Steiner como mayores representantes de esta época. La música sufría una metamorfosis, pasando de un acompañamiento constante a un empleo más selectivo para subrayar ciertos momentos. El compositor Max Steiner afirmó que en las películas dramáticas de aquella época “se usaba la música únicamente cuando lo exigía el guión. Entre los productores, directores y músicos dominaba siempre el miedo a que les preguntaran de dónde salía la música. Por eso no ponían nunca música, a menos que pudiera explicarse por la presencia de una orquesta, fonógrafo o radio, que ya estaba especificado en el guión”. En 1933, en la película King Kong, banda sonora compuesta por Max Steiner, fue cuando la técnica de coordinación entre imágenes y música se perfeccionó.

Entre los años 30 y 40, llegaron nuevas promesas que enriquecieron el mundo de la música en el cine. De la comedia musical de Broadway, llegaban Alfred Newman (Cumbres Borrascosas, 1939) y Roy Webb. De las salas de conciertos y de la ópera, Dimitri Tiomkin (¡Qué Bello es Vivir!, 1946), Miklos Rozsa (Madame Bovary, 1949), Nino Rota (Ocho y medio 1963); y Bernard Herrman, compositor que se dio a conocer en esta época por bandas sonoras de películas como Alma Rebelde en 1944, pero que posteriormente se le ha reconocido mundialmente por Psicosis, en el año 1960. Diversos compositores de música clásica (Malcolm Arnold, Aaron Copland, etc.) harían también importantes contribuciones en este campo.

En los 50 se vivió en Hollywood el boom del cine musical. Con gran presencia de la música jazz y de la llamada música ligera. A mediados de esta década, el público empieza tener en cuenta la música de las películas, por tanto, los estudios cinematográficos comienzan a darle importancia a dicha música, animando a los compositores a escribir temas vendibles, melodías y canciones. De este periodo, cabe mencionar a Elmer Bernstein (Matar a un Ruiseñor, 1962), Ernest Gold, (Exodus, 1960) o Henry Mancini (Querido corazón 1964, Momento a momento 1965).

En la década de los 60 se revoluciona la música del western con compositores como Ennio Morricone (El Bueno, el Feo y el Malo, 1966) o el propio Elmer Bernstein (Los Siete Magníficos, 1960).

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Los 70 es una época de crisis compositiva ya que se obviaba bastante la música instrumental en favor de múltiples canciones que la mayoría de las veces nada tienen que ver con la película, pero venden más y de este modo los estudios consiguen ahorrar el dinero que le costaría un compositor. Pero de esta crisis sale un compositor que usa una gran orquestación y que hace verdaderas obras sinfónicas: John Williams, a él se debe gran parte de la mejor música de cine hecha en las últimas tres décadas. Le avalan películas como  Tiburón, la saga de La guerra de las galaxias o de Indiana Jones o La lista de Schindler. Nino Rota por aquella época componía obras tales como El Padrino, 1972 o La dolce vita, 1961. Y Maurice Jarre, Lawrence de Arabia, 1961, Doctor Zhivago 1965, y El Club de los Poetas Muertos 1989.

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En los años 80 llega la revolución al mundo del cine con el empleo de la música hecha con sintetizadores. No obstante, la música orquestal sigue en alza con Williams (Star Wars) y Jerry Goldsmith (Porltergeist, 1982). Otros compositores destacado es John Barry, Memorias de África 1985, Bailando con Lobos 1990; Vangelis, Carros de Fuego 1981, Blade Runner 1982.

A principios de la década de los 90 algunas bandas sonoras se convierten, en recopilaciones de grandes canciones que se escuchan a lo largo de la película y que llegan a lo más alto de las listas de éxitos de las emisoras de radios, ocultando en algunos casos una producción cinematográfica pobre. No obstante, la música original compuesta para una película no decae, muy al contrario surgen nuevos y buenos compositores. Se crean partituras tremendamente sinfónicas que no tienen nada que envidiar a las obras de muchos de los grandes maestros de todos los tiempos. Dos compositores resumen las tendencias creativas de este periodo: Mark Mancina (Speed, 1994), como representante de los que utilizan los sintetizadores, y David Arnold, cuyas partituras son tremendamente sinfónicas, siendo muy destacables el tema central de Stargate y la llegada de las naves extraterrestres en Independence Day, 1996.

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En el tránsito del siglo XX al XXI, nuestra edad contemporánea, podríamos destacar a compositores tales como James Horner (Braveheart 1995, Titanic 1997, Avatar 2009), Hans Zimmer (El Rey León 1995, Gladiator 2000, Figuras Ocultas 2017).

Como decíamos al principio del reportaje, es difícil concebir hoy en día una película sin su correspondiente banda sonora, sin una música que acompañe y se adapte a las imágenes que estamos viendo. La música es un elemento cinematográfico que ha alcanzado desde hace tiempo un valor artístico autónomo y muchas películas son tanto o más conocidas por su música que por sus imágenes.

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